EL SIGLO XIX: EL ARTE DE UN MUNDO EN TRANSFORMACIÓN.

SIGLO XIX

El siglo XIX, también conocido como el siglo de la razón. Fue el siglo de los grandes inventos y de profundas transformaciones socio-políticas y económicas posteriores. La característica fundamental de este siglo es la de ser un período de grandes cambios. La economía sufriría dos fuertes revoluciones industriales. En política, las nuevas ideas del anterior siglo sentarían las bases para las revoluciones burguesas, revoluciones que se explayarían por el mundo mediante el imperialismo y buscaría alianza con el movimiento obrero al que, para evitar su triunfo, le cederían el sufragio universal; en filosofía, surgirían los principios de la mayor parte de las corrientes de pensamiento contemporáneas, corrientes como el idealismo absoluto, el materialismo dialéctico, el nihilismo y el nacionalismo; el arte demoraría en iniciar el proceso de vanguardia pero quedaría cimentado en movimientos como el impresionismo. 

El arte del siglo XIX tiene que responder a una sociedad transformada por las revoluciones liberales burguesas y por la revolución industrial. El arte del siglo XIX es el arte de un mundo en transformación, de cambio perpetuo como reflejo de una sociedad deseosa de encontrar nuevas soluciones a los problemas que se le presentan. 

Frente a etapas anteriores en las que un estilo se mantenía varios siglos, a partir del siglo XIX y hasta la actualidad, aparecen diversos lenguajes que se agotan enseguida por la constante investigación del artista.

EL ROMANTICISMO

Aparece en la primera mitad del siglo XIX impulsado por la burguesía más progresista para exaltar los nacionalismos y la independencia de los pueblos sometidos.  El Romanticismo es a la vez un estilo al servicio de las ideas liberales y del individualismo.

Se opone al Neoclasicismo.

El romanticismo es más un modo de vida que un sistema de pensamiento, que se rige por dos principios básicos: 

- El predominio de la imaginación y la sensibilidad frente a la razón, que trae consigo la evasión de la realidad, quieren escapar de la sociedad burguesa del siglo XIX, desean la exaltación de las pasiones y la defensa de la libertad. 

- Defensa del individualismo y de la actitud subjetiva y la afirmación de la personalidad histórica y cultural; el sentimiento romántico apoya el desarrollo del nacionalismo y la independencia de los pueblos tras la caída de Napoleón. 

CARACTERÍSTICAS GENERALES

• Apuesta por la mancha gorda de color. Luces vibrantes.
• Explota las miradas ausentes, melancólicas, enamoradas que expresan los conflictos sentimentales. Expresión de los sentimientos.
• Temas de: la Edad Media, temas exóticos, paisajes románticos, temas políticos, ambientes de ruinas y cementerios, desastres naturales.
• Interés por la naturaleza, en su aspecto mágico. El paisaje cobra relevancia especial Se busca lo exótico: Oriente e incluso la España de los bandoleros. Se pone de moda el mundo medieval, idealizándolo.

EUGENE DELACROIX

Características: 

- Da más importancia al color que al dibujo y la composición. 

- Muchos de sus cuadros se basan en modelos exóticos orientalizantes. 

- Su ideología es liberal. Defiende la libertad personal y de los pueblos 

- Cierto individualismo, tendencia a la melancolía, hipersensibilidad. Subjetividad. 

- Rebeldía frente a las normas. 

- Predominio del sentimiento sobre la razón (reacción frente al neoclasicismo)

• La Libertad guiando al pueblo

GERICAULT

Maestro de Delacroix. 

• La balsa de la Medusa 

TURNER

Representan una naturaleza tempestuosa de incendios y tormentas reales donde los efectos de luz crean una atmósfera cambiante. 

• Lluvia, vapor y velocidad

CONSTABLE

Pintor inglés de paisajes románticos. 

• El carro de heno.

EL REALISMO

Aparece a mediados de siglo para expresar los graves problemas sociales de la Industrialización, nace en Francia en torno a la revolución de 1848 y la aparición del Manifiesto Comunista. Las tendencias realistas maduran hacia 1850. El Realismo, tendencia doctrinaria y fanática, sobrepasó las fronteras del arte para extender su lucha a la vida política y militar. 

Los artistas van a ser mayoritariamente fieles republicanos que toman conciencia de la situación del proletariado o del campesinado y sin retórica y de forma real reflejan escenas de la vida cotidiana de las clases trabajadoras. 

Los temas son menos heroicos y amables. Ya no era preciso pintar a los héroes y dioses de la antigüedad para ser considerado como un gran artista. Por el contrario, la atención se dirige hacia el paisaje, hacia los tipos populares, hacia lo particular y lo perecedero.

El arte para el realismo puede estar al servicio de una idea. Muchos artistas se adhieren a la causa del socialismo, asumiendo como propios los sufrimientos y las aspiraciones de las clases desposeídas, del proletariado. Ellos acentúan su apego a la realidad presente; frente al subjetivismo, lo objetivo. Hay un cierto deseo de transformar el mundo en que les ha tocado vivir.

JEAN-BAPTISTE CAMILLE COROT

Realismo aplicado al paisaje. Pinta paisajes donde aparecen grandes construcciones arquitectónicas (puentes, catedrales). Deseaba conservar la inmediatez de la impresión de una mirada a la naturaleza a fin de ser capaz de transmitirla en todo su frescor y espontaneidad a la tela. La disposición clara y serena de los elementos sobre el lienzo dio la impresión de que sus obras eran relativamente sencillas, algo frías, carentes de brillantez. El color de su paleta fue adquiriendo una tonalidad verde-gris.

• Roma vista desde los jardines Farnese

GUSTAVE COUBERT

Courbet era un verdadero socialista, educado en los ideales de la Revolución. Por esto pinta un realismo social. Es uno de los más grandes pintores europeos del siglo XIX. El proletariado ocupa la atención de sus cuadros.

El público y la crítica rechazaron estos asuntos contemporáneos, calificándolos de «feos» por romper con la idea convencional de elegancia. 

El realismo de Courbet no agradó a la burguesía francesa de Segundo Imperio. La hostilidad que manifestó hacia el realismo fue radical. La crítica conservadora opinaba que lo feo, lo vulgar y lo obsceno era absolutamente reprobable en arte.

• Un entierro en Ornans

• El estudio del pintor

MILLET

Escenas de vida cotidiana de los campesinos. 

• El ángelus

 LA ARQUITECTURA HISTORICISTA

El Historicismo es una corriente de arquitectura que intenta resucitar los estilos del pasado, frente a una arquitectura de cristal, hierro y hormigón, propia de la ciudad industrial. 

Los historicismos arquitectónicos son retornos a los estilos del pasado. La arquitectura, tanto en lo constructivo como en lo decorativo presenta caracteres nacionales, pocas novedades y nula inventiva. El interés es exterior, como medio de encauzar el desastre y caos urbanístico producto del crecimiento urbano por la revolución industrial.

Los historicismos o “revivals” (estilo revivido) se adecuarán a la función que van a desempeñar (neoegipcio para los cementerios, neoturco para cafés y restaurantes, neoárabe para plazas de toros…) pero también se adecuará a cada país concreto (neorrenacimiento veneciano, neoplateresco y neomudéjar en España, neooriental en Inglatera Pabellón Royal Pavilión o del Príncipe de Gales, obra de John Nash)

El primero de los historicismos será el neogótico, surgido en Inglaterra a mediados del siglo XVIII y puesto de moda el Romanticismo del siglo XIX en Inglaterra, Alemania y Francia. Parlamento de Londres. VIOLLET-LE-DUC restaura las catedrales góticas de Chartres, Reims y Notre-Dame. En cambio, prefieren el neorrenacimiento y el neobarroco para las obras civiles

El eclecticismo tuvo interés a lo largo del siglo y se inspira en la antigüedad clásica, renacimiento y barroco, y crea un estilo pomposo y superficial que tiene su máximo exponente en el edificio de la Ópera de París de Garnier, los grandes hoteles de lujo construidos a finales del siglo XIX, los deliciosos castillos que manda erigir Luis II de Baviera.

En España el medievalismo se regionaliza: Asturias recupera el neorrománico en la Colegiata de la Basílica de Covadonga y Cataluña el neogótico en la Universidad de Barcelona. Pero será el neomudéjar el estilo que mejor defina el historicismo español, usando el ladrillo y un repertorio estructural y decorativo basado en los arcos califales, en los paños de sebka almohades y en las yeserías de la Alhambra.

LA ARQUITECTURA DEL HIERRO Y DEL CRISTAL 

A mediados del siglo XIX la revolución industrial ofrece posibilidades técnicas y plantea unas nuevas necesidades que posibilitarán la aparición de una arquitectura muy diferente a la tradicional, y que sentará las bases de la arquitectura del siglo XX: las vigas de hierro, los grandes paneles de cristal, darán estructuras articuladas y un concepto nuevo de espacio revolucionario frente a la arquitectura tradicional. Con los adelantos tecnológicos se produce una ruptura entre técnica y arte: la técnica es la preocupación del ingeniero, preocupado por los problemas estructurales; el arte es la meta del arquitecto, preocupado por los problemas formales y estéticos. La mayoría de estos artistas–arquitectos detestaba el desarrollo industrial, marginándose de los nuevos materiales y de las nuevas técnicas. Hasta que no se llegue al siglo XX no se comprende que estas dos posturas deben llegar a unirse (Gaudí)

Hacia mediados del siglo XIX en la Inglaterra victoriana se inició una arquitectura basada en la ingeniería, para dar soluciones a las necesidades que planteaba la revolución industrial: estaciones de tren, puentes, grandes salas de exposiciones… El hierro permitía también una construcción rápida, consiguiendo estructuras de enormes proporciones impensables para materiales tradicionales. Al principio sólo se aplicarían a la construcción de puentes y edificios públicos, como estaciones de ferrocarril, grandes almacenes y mercados.

 Henri Labrouste fue uno de los primeros arquitectos en mostrar las posibilidades estéticas de la fundición, utilizando el hierro con fines estructurales y a la vez decorativos.

• Biblioteca Nacional de Paris. 

Los ingleses y americanos empiezan a dar mucha importancia al cristal y se inicia un periodo de estandarización con la producción de elementos arquitectónicos en serie.

Las Exposiciones Universales son los mejores exponentes de la arquitectura del hierro y del cristal: necesitaban grandes dimensiones para albergar todos los productos, máquinas e inventos. 

- El palacio de Cristal de Paxton para albergar la Primera Exposición Universal de Londres. Creó un grandioso pabellón a modo de invernadero para cubrir ocho hectáreas utilizando hierro, vidrio y elementos prefabricados construidos en serie 

- La Torre Eiffel del arquitecto Eiffel, se trata de una obra no utilitaria, representativa de la Exposición Universal de París de 1889, de 300 metros de altura, construida con elementos prefabricados de hierro. Se eleva como un rascacielos, carente de espacio interior, y fue desde entonces el símbolo de París. 

La Escuela de Chicago: Un desastroso incendio destrozó la ciudad de Chicago en 1871. La reconstrucción de la ciudad iba a permitir erradicar los materiales de construcción inflamables y desarrollar la edificación en altura para resolver la masiva inmigración. Los avances técnicos europeos, unidos al invento del ascensor, favorecieron la aparición en América del rascacielos. Se establecieron las directrices esenciales de la arquitectura comercial del siglo XX. Surgió un nuevo tipo de edificio funcional, y con él, un nuevo tipo de ciudad. Por primera vez fueron los arquitectos quienes emprendieron la renovación y no los ingenieros.

Louis Henry Sullivan será el principal arquitecto de la escuela de Chicago. Sus edificios se reducen a un armazón metálico, que permite abrir grandes ventanas apaisadas en el exterior. La distribución es siempre idéntica: locales comerciales en los bajos, oficinas en los pisos y servicios en la planta alta.

• Auditorium Building

EL MODERNISMO 

A finales del siglo XIX (1890-1910), la reacción contra los historicismos y la frialdad neoclásica desarrollados durante el siglo se hace cada vez más patente. Los nuevos materiales, el hierro y el cemento, aconsejan buscar las formas artísticas en su propia estructura, y no copiarlas de estilos tradicionales. 

Mientras la burguesía comienza a desarrollarse en España, el modernismo nace de minorías sociales exquisitas, con un carácter individualista. Este movimiento ornamental, que rompe con el pasado historicista y decora el fin de siglo con obras refinadas, se denominó en Francia y Bélgica Art Nouveau, en Inglaterra Liberty y en España Modernismo. La derivación del Modernismo dará lugar en el siglo XX al Art Decó. 

CARACTERÍSTICAS

- su esteticismo refinado, renovador, interesado por la línea sinuosa, curva, basada en los tallos vegetales, en las elegantes flexiones de los cuellos de cisne y en el ritmo ondulante de la rizada melena femenina. Asimétrico. 

- Su temática va desde la naturaleza a la geometría.

- los elementos estructurales están a la vista como partes esenciales del sistema decorativo. 

- el edificio se concibe como un “ser vivo”, tienden a crear una sensación de integridad y continuidad del espacio. 

- Fantasía creadora: intenta imitar las formas de la naturaleza con predominio de la línea curva y arabescos. Decoración orgánica o naturalista. Tendencia a la estilización. 

- Fusión entre vida y arte: los artistas diseñan todos los objetos (muebles, alfombras, vajilla, edificios…) como una auténtica unificación de las artes. 

- Se incorporan como materiales el vidrio y el hierro. Se enlaza el culto al naturalismo y la aplicación de la tecnología del hierro 

- La gran novedad es el tratamiento espacial interno, en el que se utiliza la planta libre y la luz es obtenida por grandes ventanales, claraboyas, etc. 

ANTONIO GAUDÍ: Modernismo ondulante

El catalán Antonio Gaudí está considerado como la mente más creativa de toda la arquitectura contemporánea. Formuló las leyes totalizadoras del urbanismo, al proyectar la ciudad, la casa, sus objetos y los muebles que la decoran. Su formación historicista es visible en sus primeros trabajos. El neomudéjar domina en la villa El capricho y el neogótico está presente en el Palacio Episcopal de Astorga. Estas obras despiertan la admiración del empresario Güell, que se convertirá en el gran cliente de Gaudí en Barcelona:

- Parque Güell: audacia técnica de arcos parabólicos y columnas inclinadas, paredes y techos ondulados, y empleo de materiales tradicionales: ladrillo y fragmentos de cerámica de color integrados en la masa de cemento. Uso del hierro y cristal sólo con fines decorativos. Sus fuentes de inspiración son la geología, la botánica y la zoología. 

- la Casa Batlló, cuya línea quebrada, estructura ósea y escamas del tejado recuerdan la espina dorsal de un dinosaurio 

- la Casa Milá o La Pedrera por simular un escarpado muro de cuevas, que parece una inmensa escultura, coronada por chimeneas gelatinosas. 

- La Sagrada Familia, catedral fantástica, emblema de la pujante y cosmopolita ciudad condal. Proyecto titánico que le ocupó íntegramente su vida y que dejó inacabado. Sobre un esquema gótico emplea arcos parabólicos, curvas de formas caprichosas, y acumula en la portada abundante decoración vegetal y figurada de un naturalismo barroco. Gaudí construyó la cripta, el ábside, una de las tres fachadas (La fachada de la Natividad) y parte de sus torres. Concibió todo como un poema místico (las torres previstas son símbolos de los apóstoles, de Cristo, de los Evangelistas y de la Virgen), tremendamente rico en sugerencias simbólicas y en audacias constructivas. El cemento, la piedra, el hierro y los mosaicos cerámicos le dan una riqueza de texturas inaudita. Las cuatro torres de perfil parabólico horadadas para mejor resistir los vientos, son a la vez instrumentos sonoros y símbolos religiosos. Sobre la fachada se desarrollan libremente más de cien especies vegetales y decenas de esculturas perfectamente integradas. 

Más sorprendente aún es el interior, del que se conocen proyectos y una gran maqueta en yeso. Las columnas se inclinan para recoger los empujes oblicuos de las bóvedas, pero a pesar de ello, y como el peso de estas resultaría excesivo, las columnas se ramifican en la parte superior para distribuir mejor el soporte de los empujes. Con este proyecto, Gaudí se nos muestra como uno de los más claros resúmenes de arquitecto- artista-ingeniero que ha conocido la arquitectura contemporánea

VICTOR HORTA: Modernismo Geométrico

Exponente del Art Nouveau en Bélgica y Francia. El mobiliario urbano pasó a tener gran importancia: bocas de metro, escaleras, kioscos de hierro, farolas, bancos, papeleras… Hoteles en Bruselas.

EL IMPRESIONISMO

Surge en París, en el último tercio del siglo XIX (1874), como un nuevo lenguaje artístico aunque como técnica pictórica enlace con Velázquez, la última etapa de Goya y con paisajistas románticos como Turner. Pero la fecha de inicio de este movimiento es en torno a 1874 cuando se expone en el Salón de los Rechazados una serie de obras que habían sido rechazadas en el Salón oficial de Pintura.

Nombre derivado del título de un cuadro de MONET “Impresión. Sol naciente” que presentó en la exposición parisina y que la crítica utilizó burlescamente para calificar a un grupo de pintores que seguían unas mismas ideas: pintura al aire libre, preocupación por la LUZ, representación del PAISAJE con elementos fluctuantes, circunstancias atmosféricas que varían rápidamente. Captación de la luz mediante toques cromáticos sueltos. 

Su aparición coincide con el nacimiento de la fotografía que se convierte en un rival de la pintura a la vez que ofrece otras posibilidades de reflejar la realidad. Es el primer movimiento que rompe con la tradición pictórica iniciada en el Renacimiento y abre un proceso de búsqueda de nuevas formas de expresión. Buscan su identidad estética en la exaltación de la luz y el color y en la apreciación subjetiva del artista. 

El contexto histórico de los pintores impresionistas es la Francia de las revoluciones liberales y la Comuna. Presenciaron la transformación de la ciudad de París en una gran ciudad, luminosa, de grandes bulevares, parques inmortalizados por los pintores en sus obras…La 2ª revolución industrial y los nuevos avances científicos, junto a las nuevas transformaciones urbanas influirán en el movimiento. El ferrocarril ha dado otra visión del mundo. Se había impuesto una forma de vida distinta caracterizado por el dinamismo y la rapidez. La cámara fotográfica se ha generalizado y se ha perfeccionado la química, desarrollándose pigmentos variados y de mayor calidad. 

CARACTERÍSTICAS

-Teoría de los colores: Fundamentalmente existen tres colores primarios (amarillo, rojo y azul), y tres secundarios mezcla de los primarios (violeta, verde y naranja). Ellos utilizan tonos puros, no mezclados en la paleta sino yuxtapuestos en el lienzo mediante las pinceladas. La mezcla se produce en la retina del espectador a partir del cuadro. Mezcla óptica. 

-Plasmación de la luz: Los objetos sólo se ven en la medida en que la luz incide sobre ellos. El pintor recompone los colores en sensación lumínica. Hay que dejar de pensar en la paleta y en los objetos y estudiar el color como una modalidad de la luz y la pintura como un entretejido de tonalidades luminosas. 

-Apariencias sucesivas: Un mismo tema es pintado, repetidas veces sin más cambio que matices de iluminación, de intensidad solar o de espesor de la neblina. El cuadro es simplemente un efecto de luz. Desinterés por el tema, es sólo un pretexto, pintura puramente sensitiva. Buscan la sensación de impresión momentánea, perfectamente captada, fugaz y cambiante, de la luz, la atmósfera y la naturaleza. Visiones instantáneas sucesivas. Tratan tan sólo de atrapar la naturaleza en el cuadro, tal como ellos la ven, sin añadir ningún mensaje moral.

-Coloración de las sombras: Las sombras dejan de ser oscuras y se reducen a espacios coloreados con las tonalidades complementarias; desaparecen los contrastes del claroscuro, y el negro queda proscrito ya que constituye la negación de la luz.

-Pincelada suelta: Prefieren la mancha pastosa y gruesa. La pintura será tan suelta que, a veces, parece un dibujo inapreciable, confuso, difuminado. Técnica libre de pinceladas sueltas primando el color y la luz. La pincelada puede ser larga como Van Gogh, neta como Cezánne o en puntos como Seurat. Desdeña la forma, busca lo no acabado, lo impreciso y lo vaporoso

-Técnica al aire libre: Los pintores huyen de los talleres al campo. Clara preferencia por el paisaje, la naturaleza, la actividad mundana parisina sin crítica social. Deseo de ver y reproducir los colores puros. Pintura llena de aire, naturaleza, espontaneidad (nubes, nieblas, lluvia, puestas y salidas de sol, y sobre todo agua. Se adivinará no solo la estación del año, sino también la hora del día.

- Temática: El modelo sería el paisaje, con el fulgor de sol reflejado sobre el agua, las hojas o la piel. Se interesan por los recientes progresos, como los barcos de vapor y las estaciones de ferrocarril envueltas por el humo que arrojan las locomotoras. Les entusiasma el mundo cotidiano de la vida moderna: las regatas, las carreras de caballos, la ópera y el ballet. Su temática es ajena al cuadro de historia oficial; para documentar los acontecimientos ya estaba la fotografía.

CLAUDE MONET

El paisajista del grupo y el único de los maestros que mantuvo fidelidad absoluta al movimiento impresionista. Deseaba pintar lo intangible. Su pasión por la atmósfera le condujo a diferentes ambientes europeos: Londres, el Midi francés, la Provenza; y los fiordos noruegos. Realizó serialismo: varias reproducciones de un mismo tema para comprobar los efectos cambiantes de la luz y del color en horas y estaciones.

• Fachada de la catedral de Ruán

• Sol Naciente

AUGUSTE RENOIR

El retratista con mayúsculas, su interés por la figura humana constituye su mayor contribución personal al Impresionismo. Es el más popular de los impresionistas. Finalmente se retira a la Costa Azul y empieza a reproducir desnudos femeninos, caracterizados por una fuerte sensualidad.

•  Le Moulin de la Galette

ÉDOUARD MANET

No es un pintor radical del campo únicamente preocupado por el mundo visual, es un sofisticado habitante de la ciudad, un caballero o dandi: un observador distante, refinado, que contempla desde una elegante distancia el espectáculo que le rodea.

• Desayuno sobre la hierba

EDGAR DEGAS

El más atípico de los impresionistas. Excepcionalmente pintó al aire libre y su concepción de la pintura se basaba en el dibujo. Su inclusión en el movimiento se debe a su pincelada clara y al uso de colores puros. Es el más clásico. La técnica y la composición de toda su producción es muy personal. Es conocido por su visión particular sobre el mundo del ballet, capturando escenas sutiles y bellas. Degas emplea el pastel y sus composiciones resultan instantáneas fotográficas, secuencias cinematográficas de primeros y primerísimos planos

• Carreras en el hipódromo

SOROLLA

Pintor impresionista español. Su pintura representó la aplicación directa del luminismo al paisaje y la figura

• Chicos en la playa

NEOIMPRESIONISMO o PUNTILLISMO

Es un movimiento de prolongación del Impresionismo con un interés de renovación a través del estudio científico del color y la división sistemática del tono. Utilizan en sus obras 4 colores fundamentales: azul, amarillo, verde y rojo, que combinan con el blanco, pero no entre sí. Para reemplazar la mezcla de los pigmentos, recurren a pequeños puntos yuxtapuestos que luego se funden en la retina del espectador. Se oponen al impresionismo por su preocupación por el volumen. Las formas son concebidas dentro de una geometría de masas puras, bien redondeadas, donde la luz y la forma hayan una perfecta síntesis (cromoluminarismo).

SEURAT 

• Tarde de domingo en la isla de la Grande Jatte 

SIGNAC

• El puerto de Marsella. 

ESCULTURA DEL SIGLO XIX

Aunque la escultura no sea en el siglo XIX la principal disciplina artística, existen importantes artistas. Cabría destacar dentro del movimiento romántico a François Rude, formado inicialmente dentro del clasicismo, cuya obra más destacada es La Marsellesa, un monumental relieve que decora el Arco de la Estrella de París, caracterizado por dinamismo exaltado de las figuras.

AUGUSTE RODIN

Escultor francés cercano al impresionismo, cuyas obras intentaron captar los efectos de la luz resbalando por los cuerpos mediante un modelado rugoso de las superficies. Las estatuas simulan posiciones y actitudes cambiantes 

En sus comienzos será rechazado en los salones oficiales al reaccionar contra los modelos inmóviles que hacían los académicos. 

Centró su atención en la naturaleza y abandonó intencionadamente el acabado perfecto, creando un claroscuro pictórico. 

Su trabajo más ambicioso fue Las puertas del infierno, encargadas en 1880 para el futuro Museo de Artes Decorativas de París; sin embargo, el Gobierno francés canceló el proyecto y el colosal pórtico permaneció en el taller del artista donde fue añadiéndole elementos hasta su muerte, se inspiró en el infierno de La Divina Comedia de Dante y en el poema Las flores del mal de Baudelaire. Aquí emergen, en pequeño formato, varios modelos como Las tres sombras del ático o El pensador.

Otras obras memorables son Los burgueses de Calais, El beso y el doble retrato psicológico de Balzac, en busto y de pie, el último de los cuales constituye su aproximación más notable al impresionismo.

• El pensador

• El beso

• Los burgueses de Calais

EL POSTIMPRESIONISMO 

De finales de siglo supone el paso del arte del siglo XIX al XX. 

Es un movimiento formado por una serie de pintores que partiendo del impresionismo, lo abandonan para recuperar la forma, el dibujo o la expresividad. 

Nace en Paris en torno a las exposiciones de 1886, y es el germen de las vanguardias pictóricas del siglo XX. Entre 1886, año en el que tiene lugar la última exposición impresionista, y 1907, año en el que se presenta Las señoritas Avignon (Picasso) que significó el lanzamiento del cubismo, transcurren 20 años en el que se desarrolla la obra de estos autores postimpresionistas, llamados así porque se formaron en el impresionismo al que abandonaron, derivando hacia una pintura más personal en la que todos recuperan la forma por medio del dibujo que el impresionismo había abandonado prácticamente. Por tanto, se recupera la importancia del dibujo y de la expresividad de los objetos y de las personas iluminadas. 

Etapa posterior al impresionismo caracterizada por una mayor preocupación por las sensaciones táctiles, formales, consistentes, frente al predominio de la sensación visual impresionista. 

Se inicia la reconstrucción de la forma, es decir, de la existencia (Constructivismo). Se incluyen una serie de pintores en este periodo, que si bien no forman un grupo en el sentido clásico de la palabra, sí contribuyen de forma decisiva a las transformaciones artísticas del siglo XX. Son todos pintores franceses, excepto Van Gogh, que se integra con dificultad. Viven en París y esta ciudad, aunque alguno la abandone, marca un hito en su obra.

PAUL CÉZANNE

 Recobra la fuerza de la realidad plástica, acentúa la noción de bulto. Concibe el cuadro a base de cuerpos rigurosamente geométricos (reduce la realidad al cilindro, al cono y a la esfera). De estas experiencias derivará la pintura cubista del siglo XX. Padre del constructivismo.

• Los jugadores de naipes

•  El Bodegón con manzanas y naranjas

PAUL GAUGUIN

Su vida es una novela de aventuras: pasó la infancia en Lima y la juventud en París. Expone con los impresionistas, pero se aleja del grupo. Marcha a Bretaña en busca del primitivismo, viaja luego a Panamá, Tahití y la Dominicana con el deseo de vivir como un salvaje. Regresa a Francia y funda con Van Gogh el Taller del Mediodía. Finalmente la nostalgia del trópico le lleva a los mares del sur, la Polinesia. Gauguin abandona a los impresionistas, porque estos no buscan en el fondo misterioso del alma. Le interesa el mundo interior, la luz pierde importancia en cuanto a la exaltación del color: colores planos uniformes con perfiles bien delimitados (como esmaltes o vidrieras). Sus experimentos con el color, influirá en el nacimiento del Fauvismo, Primitivismo e Ingenuismo. Gusto por lo exótico, carácter mágico y selvático. Composiciones estáticas y simplificadas, mentalidad ingenua y primitiva. 

• Visión después del sermón 

• El mercado

VINCENT VAN GOGH

Es el artista del siglo XIX que mayor entusiasmo ha provocado en nuestra sociedad actual. Apasionado, sensible y desequilibrado mental, vivió 37 años, pero únicamente los nueve últimos los pasó dedicado a la pintura, dejando 879 cuadros. Sólo logró vender un lienzo en vida. 

Era hijo de un pastor calvinista, y sus contactos con el arte se iniciaron en 1869, cuando entra a trabajar como marchante. La cadena de desengaños amorosos que sufre ahonda su estado. Busca consuelo en la religión. Intenta salir de la crisis espiritual, volcándose en la pintura. En París aprende el valor de la pintura colorista y clara de los impresionistas. Los dos últimos años de su vida transcurren en el sur de Francia, en Arlés, pasando temporadas internado en el hospital psiquiátrico.

Busca expresar su interior, sus desequilibrios y su locura al sentirse perdido en sí mismo. Es un precursor del Expresionismo (se intenta reflejar las vivencias personales del autor en la pintura).

Pinta paisajes y figuras serpeteantes, sinuosas, muy retorcidas. Toques irregulares de pinceladas largas, sueltas, deshechas, muy rápidas. Líneas negras que aumentan el color expresando sentimientos. Subordina todo al color, estridente y violento, y al dibujo muy ligero y muy sinuoso.

Transforma la realidad, la exagera y la deforma conscientemente. Utiliza los colores puros en contraste unos con otros. Colores intensos. Predominan los rojos, y sobre todo el amarillo.

Pinta retratos (El doctor Paul Gachet), paisajes (El segador. La iglesia de Auvers-surOise), noches estrelladas (Noche estrellada sobre el Ródano), campos de trigales, olivos, cipreses, bodegones (Los girasoles); representa escenas de interior, entre las que no falta su propia habitación (El dormitorio de Van Gogh en Arlés), y culmina la serie de 43 autorretratos

• La noche estrellada

•  Los girasoles

TOULOUSE-LAUTREC

Pintor parisino que convierte el Cartel en arte, como vehículo colectivo de comunicación. Dibujo coloreado lleno de expresión, caricaturesco. Ennoblece a los bajos fondos, los cabarets parisinos, la prostitución. Movimiento.

• Baile en el Moulin Rouge